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15 octubre 2007

GALO ENCALADA Y LA RADIODIFUSIÓN EN CHIMBORAZO


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com


La radio en nuestro entorno es sinónimo de la capacidad que tuvimos como ciudad para construir grandes modelos de desarrollo, ese es el caso de radio “El Prado”, que enamoró a América con sus ondas y posteriormente de la radio “Mundial” que desde su fundación el 5 de junio de 1949, se proyecta como uno de los más importantes medios de comunicación de la región, todo esto gracias al ímpetu visionario de Galo Encalada Rodríguez, quien desde la construcción de su sueño permitió que soñemos en una provincia, en sus raíces, en sus mitos.

Galo Encalada Rodríguez, nació el primero de Junio de 1.918 en Tixán, desde muy joven logró una autoformación, sintiéndose atraído por el aprendizaje de la telegrafía. Es así como se enamora de la radio, del motor transformador que es la comunicación; motor que toma como herramienta en sus batallas para mejorar los niveles de vida en la provincia, para lo que generó espacios radiales informativos, deportivos, culturales y de opinión; lo que le permitió ser representante de la sociedad civil en diferentes dignidades públicas.

Su obra: Radio “Mundial” ha estado siempre a disposición de las urgencias del pueblo, de la vocación de dar voz a los que no la tienen, de sumarse a una generación que realmente se jugó por su raigambre y su tierra; sus periodistas nunca dudaron en denunciar hechos y actos de corrupción pero jamás cayeron en el circo de la radio, en la infamia comunicacional tan común en nuestros días, es por ello que al ver al hombre y su obra en retrospectiva, uno no puede menos que sentirse orgulloso de que su pensamiento siga necesario y tenga por si mismo la virtud del camino que nos permite llegar a nuestros destinos.

Radio Mundial ha sido escenario importante para grandes artistas como Julio Jaramillo, Carlota Jaramillo, trío “Los Brillantes”, trío “Los Reales”, dúo “Benítez y Valencia”, Hugo Oquendo, Darwin, “Trigo Limpio”, Álvaro Escaramelli y muchos más. También promovió importantes concursos que sirvieron de plataforma para muchos nuevos artistas como: Anita Lucia Proaño, quien en representación de Radio Mundial participó en el Concurso "Estrellita Cristal", en la ciudad de Guayaquil, en el cual resultó triunfadora.

La radio entre otras cosas: Organizó la primera Noche de la Alegría y el primer Desfile de la Alegría en el marco de los tradicionales festejos abrileños; Ha formado parte de las cadenas informativas CARACOL, TODELAR, NOTIHOY, entre otras; En 1961, en emotiva ceremonia cumplida en la ciudad de Riobamba y a través de los micrófonos de Radio Mundial, el Dr. José María Velasco Ibarra, Presidente del Ecuador, declaró nulo el Protocolo de Río de Janeiro.

Cuando nuestros pasos ya no tienen pies, sin embargo siguen haciendo camino significa que nuestra vida no ha sido inútil, estimado lector sigamos andando el camino que ilustres Riobambeños como Galo Encalada, van construyendo día a día.

11 octubre 2007

LILITH

Gabriel Cisneros Abedrabbo
http://www.dicciondesnuda.blogspot.com/

Las leyendas del pasado, crean mitos en la construcción de identidades colectivas; una cultura sin mitos es igual a un ser sin una conciencia plena, sin paradigmas, sin alma. Las culturas urbanas que en el mundo se proyectan desde la urgencia de expresar y sobre todo romper los vacíos de la modernidad, se sustentan en antiguos mitos que han llegado a nuestro tiempo desde la tradición oral, desde lenguajes signados y cifrados que nos hablan de un mundo lleno de magias donde los dioses, los ángeles y los hombres cohabitan en esta tierra, amándose, sintiendo la caricia y sumando esfuerzos en un mestizaje entre lo humano y lo divino, uno de los mitos más importantes de la modernidad es el de Lilith.

Lilith, de acuerdo a viejas tradiciones fue la primera mujer de Adán, fue hecha con arcilla igual que él, a diferencia de Eva no era parte él. Hermosa y mil veces libre se sublevo al tener que yacer debajo de Adán, se sublevo contra Dios por no mirarla ni entenderla, abandonó el paraíso, siendo desde una luchadora que no se sometió ni al hombre ni a los dioses y que desde sus entrañas engendró una raza que a construido los aportes fundamentales para la humanidad, su existencia esta registrada en el libro sagrado de los judíos el Talmud. Con su partida Dios extrajo de Adán una costilla para hacerle una compañera que le sea sumisa, la leyenda dice que desde entonces existen en el mundo dos tipos de mujeres las Hijas de Lilith y las hijas de Eva, las primeras son libres e indomables mientras que las segundas tienden siempre y de cualquier forma volver a su origen; es decir a la caja toráxica del hombre.

Lilith es el símbolo de la mujer emancipada, la que no se somete y busca la equidad. Desde la mitificación de la feminidad es Lilith, el símbolo más antiguo de de lo femenino coexistiendo horizontalmente con lo masculino, generando dualidades y simbolismos, rompiendo con patriarcados.

Por haber sido desterrada de ese paraíso y creer que seduce, asesina y bebe la sangre de sus amantes es considerada desde tiempos inmemoriales con la regenta de los demonios femeninos, la reina de los vampiros, por ello se la relaciona directamente a divinidades presentes en la mitología clásica: Lamia, Empusa y las lamias, hijas de Hécate, diosa de la brujería; las harpías y las estriges, también macabras visitantes nocturnas; las harpías, ayudantes de las erinias o furias; las moiras o parcas, las grayas y las gorgonas, siniestras ancianas habitantes de los infiernos, la Brunilda de los Nibelungos, etc.

Sea como fuere es Lillith, parte de una identidad perdida que va tomando fuerza con el resurgir de las viejas tradiciones paganas, que no se han perdido, que durante muchos siglos estuvieron latentes en la memoria colectiva, sobreviviendo inquisiciones y olvidos.

12 septiembre 2007

MOMO


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com


Momo, novela juvenil del escritor alemán Michael Ende, publicada en 1973 realiza una profunda crítica social al egoísmo de los seres humanos, a su falta de tiempo compartido y a la ruptura de los espacios comunes en la construcción de las memorias vivas de las ciudades। Ende, desde la parábola literaria, se adentra en la realidad excluyente de las sociedades del primer mundo, las crítica fuertemente y nos invita a volver al humanismo perdido en la recuperación del tiempo común. Por esta novela el autor recibió el reconocimiento con el “Premio de Literatura Adolescente de Alemania” en 1974.


La novela se proyecta desde la dualidad de la realidad, por un lado Momo, la niña que es centro de convergencia social de una comunidad que ve en la niña huérfana, el engranaje para la construcción colectiva, para soñar, jugar, cantar y reír; y, por otro lado los hombres grises, esos malévolos seres que van robando a la humanidad el tiempo। Momo se caracteriza por saber escuchar, por interesarse en los demás por vivir comunitariamente, ese don de Momo hace que los tristes de la comunidad o quienes tienen conflictos la visiten, conflictos que se pierden en el diálogo y que en la mayoría de los casos los personajes ven que se dan por los malos entendidos, que no hay guerra tan grave ni soledad irreparable; los niños juegan e inventan juegos con Momo y ellos junto al viejo barrendero Beppo serán los únicos que se den cuenta que algo pasa con el tiempo, que se están construyendo disfrazadas cárceles para aislarlos a los humanos unos de otros y que en el trabajo van dejando más que la vida, van dejando el sentido del para que estamos aquí. Momo también es amiga de Gigi, un joven cuenta cuentos, con el que comparte sonrisas y espacios, hasta que este es seducido por los hombres grises; Gigi a pesar de la fama, el dinero y los “amores” que adquiere desde que pierde contacto con Momo pierde la felicidad, no está seguro de ello pero la duda va creciendo día a día, como en el salonero que ya no puede charlar con los clientes y se ve avocado a interminables máquinas para el servicio de los alimentos, todos saben que han perdido algo valioso, pero no saben que…, una angustia persistente se va tomando las ciudades y las gentes.


Momo, es una amenaza para los hombres grises, tal vez por su don de escuchar o por su alma libre, por ello y por ser la única conciencia de lo que esta pasando en esa realidad, se ve en la tarea de rescatar a sus amigos, es así que con la ayuda de la tortuga Casiopea emprende el viaje donde el Maestro Hora, quien le da las herramientas para acabar con los hombres grises
Allí donde un niño esta encarcelado en oropeles que no lo dejan soñar o donde un hombre pierde el humanismo y su tiempo libre para ir al cine, charlar con los amigos están rondando los hombres grises que siempre acechan a la humanidad en busca de convertirnos en autómatas sin alma…

TRES AÑOS DE UNA “VIDA A COLORES”


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmaail.com

El reto de ir más allá de la objetividad, que es más bien un concepto relativo, en la busca de la veracidad y del compromiso con las sociedades con las que se esta interrelacionado, es el objetivo que se ha trazado la revista de variedades “Vida a Colores”; revista que se encuentra celebrando tres años de servicio a la colectividad del centro del país.

La revista ha fructificado en las manos y pensamiento talentoso del comunicador social Diego Vallejo, circula con Diario “La Prensa”, todos los jueves, en sus páginas nos hemos informado de temas culturales, de pareja, de farándula, de ciudad y de todos esos tópicos alrededor de los cuales nuestra vida va girando.

“Vida a Colores” ante todo es un eje periodístico de convergencia democrática para poner en el tapete de la discusión problemáticas humanistas, cuyo desconocimiento social genera conflictos profundos, en temas de sexualidad, interculturalidad, economía, política, etc. En sus páginas también se dan buenas noticias, aquellas que las gentes esperan con voracidad, porque estamos cansados del pesimismo absolutista que prevalece en muchos medios de comunicación; dentro de esas buenas noticias ésta sección de la revista “Libros y Personajes de la Cultura”, en la que buscamos permanentemente proyectar a aquellos creadores cuya obra en los estético y cuyo pensamiento en lo social y humanista siembre esperanzas en los andes de nuestra ciudad, la crítica estética busca generar autoestima en nuestra ciudad.

Realmente es muy difícil realizar esta nota, porque implica una autocrítica, al ser parte del ente comunicacional, sin embargo no podíamos callar la felicidad interna, porque este proceso se mantiene en el tiempo y el periodismo serio de la provincia tiene sus espacios para dar vida a la gente, para que sus colores sean de esperanza en el salto colectivo a inciertos futuros a los que tememos menos, porque existen voces y espacios como este para hacer lo que alguna vez sembró Alfonso Chávez Jara, en la Casa de la Cultura: “Forjar la memoria colectiva de una sociedad más humanizada”.

Ese es el eje fundamental del instrumento comunicacional, trabajar en los planos intangibles, culturales, humanos de la memoria colectiva, cultivarla con afectos; sembrar en su horizonte utopías posibles, para que nuestro mundo, partiendo de nuestro entorno más inmediato es decir la comunidad, el barrio y la ciudad tenga voz en la solución de los problemas. Para que la soledad social fruto de un avasallamiento cultural no afinque en nuestras casas, para que recuperemos esos espacios comunes y con ello la felicidad de respirar y amar.

Reitero desde el orgullo la felicitación para “Vida a Colores” y su director Diego Vallejo, porque como canta Silvio Rodríguez nos hacen saber que no todo está perdido y nos ofrecen el corazón cada jueves.

RAMIRO CAIZA, DE FRENTE A LA VIDA


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

Joaquín Sabina, emerge desde esos ángulos de la piel donde la música es posibilidad, mientras la poesía de Ramiro Caiza, me vuelve cómplice de un ponerse “De Frente a la Vida”, como diría Benedetti, “sin excusas ni esclusas”, el hombre envestido de la palabra deja de ser en el sentido intrascendente y se vuelve eterno en el arte, en la poesía, esa concubina que amamos en colectivo.

La voz poética de Ramiro Caiza, comparte con su generación ese desencanto que proviene de una realidad donde la “tribu” creativa se ha roto y solo hay lugar para la transformación del mundo desde la visión particular de quién es “... el desechado del paraíso/ eterno”, en un mundo que globaliza todo, el intimismo creativo nos da la sintomática de una sociedad enferma de soledad y es el poeta quien más la padece, quien más muere. La soledad como lugar común de la época, moldea seres humanos intimistas, los comunistas se hacen ecologistas y las nuevas generaciones ya no cantan a Fidel, la revolución cubana puede ser importante pero desde la analogía de la soledad, el hombre trata de hallar sus equilibrios en la espiritualidad, y no en la materia, busca transformar el mundo desde adentro hacia fuera y no desde afuera hacia adentro.

El desnudarse frente a la palabra, el transmutar los verbos y las oraciones en sensaciones que nos golpean, el inventar códigos; son acciones que se adivinan en la lectura de los textos, acciones que se suman a un intenso trabajo, a un profundo sentir, sobre todo a un profundo amar.

El poeta, se expresa con dejos de nostalgia, el texto permite que adivinemos las ausencias, a Nicolás le escribe “a vos te conocí / albo / vivaz / en la faz / de tu abuela”. Delata Ramiro sin querer su condición de migrante, su condición de desesperación en un país que nos rompe las alas pero no los sueños.

El poeta crea y recrea, sus desesperaciones en este texto que sin lugar a dudas al leerlo anclará en sus sueños y soledades, como ancló en mi rictus frente a desnudas lunas de papel; por la profundidad de las sensaciones con que el ser humano nos llueve, desde la expatriación voluntaria por el pan, por la vida y quien sabe tal vez por el amor.

23 agosto 2007

“TRAVERSA”

Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

Luis Enrique Yaulema, presenta su segundo poemario “Traversa” con un lenguaje sencillo, con un exquisito manejo de las figuras y metáforas llega a los laberintos recónditos del lector. Sus haikus giran alrededor del amor y el desamor que lo persiguen en bicicleta, haciendo acrobacias y trampas para poseerlo. Él escapa en la palabra entre códigos y acertijos.

La hembra de azúcar, endulza las metáforas para que Yaulema esculpa poesía, frota su cuerpo en las vocales, lame las consonantes, angustiada de que el tiempo le gana sus posesos. Una mujer demonio se ha parado en “Traversa” y no deja de rezar esquinando al poeta entre lunas, delfines y posibilidades.

“SUPLICIO DE LA HORCA”

Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

Primer poemario de la escritora Paola Zambrano; en setenta páginas nos hace oír que una nueva poeta va consolidando su voz. Entre sus versos deja saber que la soledad a veces es suplicio de horcas diminutas que duelen y se enroscan en la piel, que se hacen catapulta para que la poesía fluya en la cotidianidad y los sueños.

Sin duda alguna su canto de sirenas en aguacero, fluye desde los recuerdos de las islas encantadas (Las Galápagos), de donde proviene su volcán poético.

Pedro Gil al referirse a su obra manifiesta: (… Es el libro de una voz perturbadora por la malicia urbana, donde los insomnes encuentran refugio y la noche es un sepulcro que la defiende de los hombres. Su lenguaje es un puente distanciado de la visión romántica de la vida, pero sin negar la búsqueda del amor real, el placer y el dolor…)

ANATOMÍA DEL SILENCIO

Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com
El laberinto cae de la cuerda floja, de los rictus cotidianos y desde la periferia se hace piel y esencia en la vos del escritor chimboracense Jorge Patarón Herrera, que nos dibuja en su último libro “Anatomía del Silencio”, los gritos desesperados de seres subterráneos que pululan por vivir entre los nortes de una sociedad que los ha olvidado.

“Anatomía del Silencio”, escarba en la psicología humana y nos permite ver que más allá de todos oropeles la vida esta hecha de sueños y dolores, las “malas palabras” que florecen en la angustia, el dolor y el desamor.

Jorge Patarón Herrera, es un tejedor de grafías que va articulando en lenguajes un contexto social que nos conmueve, que nos transporta a sentir nuevos mundos en la soledad de los pájaros, que caminan sin escopeta por las calles desnudas de ciudades sin nombre, de intimismos propios de una modernidad llena de caos.

Rosina Valcárcel al referise a su obra nos dice: Inevitablemente vienen a la memoria los versos de los llamados “poetas Malditos”, en particular de Antonin Artaud; no tanto por los recursos empleados o el lenguaje, sino más bien por los personajes, la atmósfera densa que presentan y el espíritu que los anima, el aliento, la irreverencia y el nihilismo।
Buena parte de los poemas hablan de amor, mejor diríamos, de relaciones eróticas que no tienen que ver necesariamente con el amor. Pero si bien lo erótico es u n elemento consustancias a los poemas, en alguno de ellos se va más allá, se trasciende, para abordar de manera plena el sentimiento amoroso. Sin embargo y como hemos visto, cuando se alude a ese sentimiento, la visión que se presenta es desgarrada y hasta escéptica. A la visión de la mujer se une la visión que el yo poético tiene de si mismo. Y Todo expresado en un lenguaje violento, rebelde y procaz.>>.

Jorge Patarón es un escritor incomprendido, su literatura fuertemente criticada por una sociedad chauvinista, tiene la textura, la fuerza y la matriz para decir con certeza que el poeta ha consolidado su voz y que su trabajo se va a proyectar en la historia. Y en la memoria colectiva por su fuerza poética pero ante todo por su originalidad y autenticidad al crear

22 agosto 2007

HIPOCONDRÍAS DE PAPEL



Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

Recuerdo que mi generación de escritores siempre vivió desayunadse el mañana, rompiendo los timones, encendiendo luces entre mujeres tristes y bohemias interminables; un poco parricida, bastante imprudente, atormentados por el intimismo en la poesía, por el silencio en un mundo que parecía brillar no solo desde el espacio sino que nos hacía creer que había caído en la hegemonía gringa, entonces el arte era un producto de mercado que se vendía entre eunucos. Asustados rompimos la tribu, el lema de paz y amor se convirtió en un viejo modelo casi sin sentido, la lucha contra el consumismo que había emprendido se perdió en el tráfico de marihuana y nosotros nos quedamos solos, se nos calificó como la generación Sida, Plaza Sésamo, etc. Realmente éramos huérfanos en un mundo que intentaba olvidarnos, sin embargo desde aquellos mutis rotos con el grito desgarrador saltamos y fraccionamos la olla en la que nos querían cocinar junto a cuadrados poemas.

Una generación totalmente impar, poetas de papel friccionando un mundo que había perdido el alma, y que la encontraba ocasionalmente en textos de aquellos hermanos cuya voz la siento tal lejana en el tiempo; sin embargo nuestra carrera siempre tuvo una llegada, nuestro modelo siempre fluyo desde el humanismo, desde volvernos proscritos en una sociedad que lo vendía todo menos a nosotros, al menos eso lo creímos en su momento.

Casi todos fruto de los talleres de literatura, buscábamos construir el estilo propio, la forma original que nos permita ser verdaderamente, de momentos olvidamos el por qué se escribe y el para quién se escribe y caíamos en un hecho casi mecánico, asustados por los lugares comunes y las formas huecas, a ratos expatriamos de nuestros textos al sentimiento, a la sensación, a la locura que fluía desde el centro, desde la angustia de estar vivos. Pocos sobrevivimos hambres y olvidos, nos enfrentamos al papel y como todo hijo, ahora después de quince o veinte años, vemos con horror que nos estamos pareciendo a nuestros padres poéticos, a quienes tachamos con el dedo en su momento, ahora sus nietos están poniendo el dedo en nosotros, esto de ser humano y artista es una doble trampa, en la que siempre perdemos.

La poesía para mí ha sido un eje a través del cual respiro, desde mis monólogos de soledad en la infancia hasta el desamor persistente en las horas, es la poesía la que llueve prismas para saber que hay algo más que materia, que somos algo más, que nuestra vibración es capaz de prolongarse en las memorias de los que se rasuraran la luna en digitales silencios ya sin rosas.

Esto casi es una oración, una autopsia desesperada de los sentidos, no sé un alzar la voz para saber si a alguna persona le importa mis fracciones de canto, que desfallecen en una ciudad que nos olvida muy de prisa.

POETAS DE PARED

Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

La pared como elemento estructural de la vivienda, es entrañable compañera en los quebrantos y placeres de los seres humanos; en las tribus urbanas que se constituyen en la cuerda floja de nuestras ciudades necesariamente serán las paredes el espacio para que jóvenes poetas, que en muchos casos no saben que lo son, afloren en estribillos y leyendas friccionando el amor, los malos gobiernos y las crisis que viven las ciudades। La pared es la hoja en blanco en la que graffiteros devuelven a la calle sus silencios en iconos y conceptos que se forjan como referente de la conciencia social de un pueblo, que se expresa en el graffiti.



Los romanos llamaron graffiti a los mensajes escritos en lugares públicos. En nuestra modernidad en la década del 60 del siglo pasado, hipíes y activistas políticos utilizan el graffiti como elemento fundamental en su promoción de ideas. Actualmente es el mensaje subterráneo, forjándose en las manos sucesivas y en las mentes sobre todo de los jóvenes que se lanzan a buscar la sobriedad de una pared para dejar su huella.
A pesar de que el graffitero es un tipo de la noche que en muchos casos pasa apuros para escapar de furiosos dueños de casa y patrulleros de barrio, su labor es impresionante y se vuelve parte fundamental en la poesía urbana que se gesta día a día entre pared y pared; de seguro más de uno habrá tomado conciencia desde los mensajes que llueven en nuestros ojos

Las paredes, son textura prohibida donde el poeta devuelve los golpes y acaricia a los amores. En la ciudad de Riobamba, este fenómeno ha tomado singular vigencia en los jóvenes, que han aprovechado el blanco de las paredes, para plasmar bellos versos ó irónicas denuncias frente a las crisis que cotidianamente rompen nuestro equilibrio, en la cuerda floja de éste país surrealista.

Solo es necesario un tarro de pintura se echan andar los andamiajes de la imaginación. Viejos graffitis, vuelven a la memoria: “Quisiera verte desnuda para saber como es dios / f: Pitufo”, “No quisiera tenerte una noche, sino soñarte mil pitufito / Marlene”, ó aquellos que a nivel nacional se convirtieron en paradigma de una generación: “Quisiera una política inspirada en Henry Miller”, “Mi binomio son tus ojos”, “Las putas al poder sus hijos ya fallaron”, “Si apagan la luz al menos regalen condones”, “Prohibido robar, el Congreso no admite competencia” , su visión de la realidad no pierde vigencia en el contexto social en el que nos desenvolvemos.
El pasado martes 10 de diciembre Día Internacional de los Derechos Humanos, la gente de la ciudad y sobre todos jóvenes de escuelas, colegios y universidades, plasmaron graffitis, entre los que se destacan: “No queremos más explosiones / f: las bombas”; “Sin ser terroristas, nos están matando”, “Riobamba en paz”, “Seguimos volando en tu cometa Proaño”, etc.

El intimismo que marca la coyuntura espiritual de la nueva generación se ratifica en los graffitis que inundan las calles de la ciudad, se ratifica en la soledad que día a día va poseyéndonos y que no obligan a aullar para que la muerte no nos despierte de este alegórico viaje antes de haber seducido a nuestras propias posibilidades.

31 julio 2007

LA LITERATURA ESCONDIDA MONCAYO DONOSO


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@holtamail.com

A veces usted no ha sentido que su vida es una trampa, un impostergable letargo roto a instantes por estrellas que se pierden en el infinito espacio. ¡A veces!, solo a veces usted siente que la ciudad con sus baches cíclicos es una fosa común donde los silencios sepultan abrazos y aguaceros; capturar esos instantes y postergarlos en la nostalgia de los pocos que lean es el límite, es la urgencia de quienes sudan palabras de otros tiempos, relicarios guardados en las bibliotecas de los abuelos, posos negros donde se amontonan viejas fotografías y difíciles secretos familiares.

Casualmente, mejor dicho causalmente por la crisis y la televisión esas joyas en papel se pierden entre las chucherías que uno desempolva los sábados en la “Plaza de las Gallinas”, donde entre risa y risa se puede hallar y comprar por cincuenta centavos o un dólar libros y acetatos de todo tipo, un disco tal vez con el autógrafo de Corina de Velasco Ibarra o un texto como el que tuve la suerte de recibir como “yapa”, lo acepte con desinterés más por la referencia histórica del escritor, Jorge Moncayo Donoso autor del himno a Riobamba, que por ganas de leerlo. El título atrajo mis ganas de palparlo sin embargo sería necesaria una crisis en mi enferma cordura para que tome “El Baúl Maldito” y literalmente me sumerja en sus escondites.

El libro fue editado en 1954, por autogestión del autor en la editorial “Fray Jodoco Ricke” de la ciudad de Quito, en 96 páginas a veces desgarradoras como púas verdes a veces llenas de plumas de humo amarillo secundando vuelos, nos cuanta historias personales, ambiguamente humanas de un chagra en la “Carita de Dios” resucitando después de la tragedia o humanizando el baúl vampiro de los afectos del padre, historias de un intelectual que en nuestra provincia fundo la Casa de la Cultura y fue uno de sus primeros presidentes, que estuvo muy vinculado al colegio “Pedro Vicente Maldonado” y que en nombre del pueblo voló un puente junto a Flordelina, la mujer con ojos de tabaco que seguramente amó.

En literatura siempre se dice que un escritor se compone de dos personas, la una efímeramente humana que escapa y muere; la otra que se proyecta en los tiempos, personalmente creo que Jorge Moncayo Donoso, no llego a ese desmembramiento, sin haber escapado a la muerte se proyecta en la memoria de una ciudad que lo canta en la hora cívica de los lunes que lo recuerda pero que sin embargo necesita volver a ser el polvo que se sacudió el hombre que la abandono un día, debemos devolver a este gran personaje el valor que tiene, que sus pies vuelvan a su tierra y se embadurnen no solo del polvo sino del lodo y las voces de quienes hemos heredado de su talento obras como “Los Muertos Vuelven”, “Cofre de Sándalo”, “En Silencio . . .”; y, “El Baúl Maldito”.
No puedo terminar esta nota sin soltar los tiburones en la piel de la ciudad, es el momento de amarnos por lo que fuimos, de que nos amen por lo que somos.

27 junio 2007

LAREANDO VIBRARES DE GUITARRA

Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com


Todo vibra en el cosmos, todo fluye desde la gran armonía de un Yo del que somos célula y sentido, en la transformación permanente, la dialéctica es el motor que desde todos los saberes nos impulsa de carambola a ir más allá de lo que teníamos planeado.

Desde esta concepción de nuestra correspondencia con las dimensiones, todo es música o mejor dicho la música es la representación sonora de este axioma hermético, así lo entiende, lo siente y lo piensa el artista multifacético Hugo Lara quien tiende su alma en la esquina de barrio, para que sea cronista de la lluvia de alargados alfabetos que van construyendo la historia de las ciudades, lo intangible de los amores, lo absurdo de migraciones y el silencio de las ausencias.

Su voz profundamente social transforma los espacios en ambientes para armonizar los afectos y exteriorizar sentimientos de manera plena, su lienzo de corte clásico recrean paisajes y conceptos de un intimismo subversivo, su palabra es perinola en el germinar de los sentidos. Mientras escribo esta nota voy tarareando “Lucas y Lucía, eran dos enanos…”, el poema de Rubén Molina hecho canción por Hugo Lara, texto que nos habla de lo terrible de esa migración que enviuda conyugues y deja huérfanos de manera mutua a hijos y padres, de esa migración que te sirve el pan en la mesa y te quita al hijo en el abrazo !Carajo!, este vibrar de la música es más que eso es el pretexto para saber que los solos de un planeta incomunicado por estar demasiado comunicado no dejan de gritar, no dejan de gesticular que quieren volver a sus raíces, que ya no importa la máquina o el chip de las oportunidades; que lo que importa son los vibrares de nuestra mente, las músicas de nuestro subconsciente repicando en el orfanato de obstinadas identidades.

Hugo lareando, mugiendo a veces con un blues o trovando desnudo frente al lago donde lo parió la noche, nos devuelve a la espiritualidad de ser fugaces bocanadas de humo en el salto de los días. Por ser hijo de la noche tiene abiertos los sentidos y crucificados los adioses. Cuando el sea piel de una loza o recuerdo en una cinta de un siglo que pasará, tal vez su nombre se pierda en la memoria colectiva, sin embargo nadie olvidará a los que un día se fueron en un aeroplano y sin querer cambiaron un cielo por otro que no tenía sol.

26 junio 2007

LA CONCEPTUALIZACIÓN DE LO LIGHT UNA VALORACIÓN DEL ABSURDO


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

Lo profundo, los ejes sensoriales en la transformación del pensamiento, en el auge de la época de los autómatas, lastimosamente la nuestra, da paso a lo fútil, arañamos reiteradamente la superficialidad de las cosas, parecería que lo que importa hoy es la forma, no el fondo y a veces ni siquiera eso; se recurre a la trampa de conceptualizar la realidad, interpretándola a vuelo de un café ya que los modos de producción de estadísticas y miedos no dan para más.

Los críticos que de alguna manera son los que contextualizan la óptica social, están empeñados, en su gran mayoría, a exterminar ciertas manifestaciones estéticas como las artes plásticas y de manera particular la pintura o sino como se explica que en salones y bienales de pintura, ganen trabajos de fotografía, instalación o de arte conceptual que recurre a objetos efímeros y en muchos casos biodegradables para poner de manifiesto una idea, que se pierde en la memoria, en el mejor de los casos en la crónica especializada que hace una breve reseña de ella, es como si se quisiera que la trascendencia del objeto estético, se pierda sin eco social.

Es verdad que la modernidad va en vertiginosa carrera a ganar cada segundo, sin embargo deberíamos cuestionarnos qué tan trascendentes somos en lo que hacemos. Importa el cuánto producimos o importa el qué producimos, deberíamos como sociedades y como creadores tomarnos un minuto para respirar, para sentir la tierra y la luna que ha enamorado desde siempre y crear un arte con paciencia, lentamente, dejando que el yo creador respire, amé y llore.

Las universidades, campanarios cuadrados de una religión que no entiende a su dios, forjan en sus celdas a críticos que ven el libertinaje estético nuevos modelos de creación, personalmente me resisto; mil veces prefiero ser dinosaurio que veleta en un mar cristalizado en sal. Me gusta Dalí y Neruda, el viejo Vallejo y Diógenes Paredes, Frida, es su vértice frente a Rivera la vieja textura del lienzo que cuelgo en la memoria, me gusta como Roberto Carlos, esos amores a la antigua que perdían el corpiño en la ternura, que eran cómplices la fricción de epidermis.

Entiendo perfectamente que los críticos de nuestra época intenten justificar y hasta hayan creado un marco conceptual para darle vigencia lo lgith, para posibilitar la concepción de objetos que llaman “estéticos” en lo efímero, absurdo e intrascendente. Vivimos en un mundo que en algunas esquinas se esta quedando vacío sin alma, sin embargo de algo de lo que estoy convencido es que América Latina, por no ser parte de ese primer mundo en la domesticación del hombre, tiene posibilidades de sublevarse y de sublevar los conceptos, se habla reiteradamente de una visión política del hombre que sea ecológica, humanista y social, el arte debe encaminarse en esa línea partiendo de la premisa que en si es la agudeza sensorial que plasman los individuos de su contacto con la realidad, debe buscar que esa lectura que realiza de tiempos y escenarios posibilite que los sujetos que viven esas realidades y culturas por lo menos sientan que hay algo más allá, el arte debe ser la posibilidad de soñar a la que todos tenemos derecho.

23 junio 2007

UN MAESTRO SE VA . . .

Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesilas@hotmail.com

De un tajazo, sin momento para despedidas, sin posibilidades para el abrazo o la última conversación sobre la problemática local que tanto le inquietó durante toda su vida, el destino cortó los sueños del Maestro y amigo Máximo Layedra
Una angustia intima parte desde efímera circunstancia de la naturaleza humana, nos cuestiona reiteradamente, el para qué estamos aquí; entender esas razones nos permite saber que quien ha emprendido el camino sin retorno, en éste luto de la intelectualidad chimboracense, estuvo para ser una fuerza de convergencia social, un líder de singular importancia cuya militancia por su barrio “Los Pinos” ha sido ejemplo en al ciudad de Riobamba, quienes vivimos en este espacio físico nos quedamos huérfanos del comandante que emprendió, a veces solo, las batallas

En la Casa de la Cultura y Diario “La Prensa”, sentimos de muchas formas su partida, se quedan inconclusos los libros de la campaña de lectura que estaba corrigiendo, se queda vacío un espacio en la mesa de trabajo al emprender proyectos de desarrollo social, pero más allá de eso en nuestras ternuras se crea una llaga, un grito, los Heraldos Negros que evocó Vallejo golpeando sin tregua, llorando sin calma.

Emprendió el salto, rompió la brecha que hiela la sangre fusionándose nuevamente a la tierra de donde germinó. El último acabose, la peregrinación ritual del silencio en al memoria colectiva, no ha llegado para Máximo Layedra, en la tierra quedan muchas semillas que él plantó, cada vez que éstas fructifiquen sabremos que su obra fue buena y que esta en nosotros. La tradición popular dice que “La única muerte es el olvido”; desde esa óptica Max vivirá por siempre.

Amigo, la tarde se rompe en mundos tristes, uno de ellos anida en mi pecho, despliega sus espinas y me rasga la carne con el luto, recordándome minutos compartidos, sonrisas plenas en la jorga de toda la vida; Maestro la senda es ancha nos veremos en la otra dimensión de nuestros tiempos.

13 junio 2007

LAS CLAVES DE GABRIELA PONCE

Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com
La trama de la noche es una paradoja, un imán a vuelos para que la poesía se irradie en las claves de sol de la escritora Gabriela Ponce que pone en el tapete de la memoria su primer poemario, desconcertando por la madures, por la solvencia estética de este “guagua” al que su madre de trenes invertidos, lo esculpió desde adentro sacándose más que la costilla y las tristezas para soplar en nosotros.

Gabriela Ponce, presiente el acabose, siente el puñal rasgándole el pecho y la utopía; se revela, salta, nos reta, nos escupe, nos engulle, en una hojarasca de palabras armonizando las percepciones de mil mundos, de mil hombres tristes que se mueren en una plaza o en un parque.

Con esté breve acercamiento a “Clave de sol”, vamos a tener un proximidad con la escritora. ¿Gabriela por qué escribir poesía ? y ¿Para quién escribirla?

Escribo como una suerte de sortilegio, para sacar ángeles y demonios que llevo dentro... Y para quién?

Sí, ¿Para quién?

Para mí, y para todo aquel que se tropiece con los versos, se refleje, ría, llore o escupa, lo importante para mí es producir alguna sensación, generar sensaciones sean estas buenas, malas o desagradables; saber que somos humanos, que percibimos, sentimos, que las palabras nacen de nosotros y nos encuentran, que las aceptamos o las rechazamos ese es el juego de la poesía.

Soy poeta... por gusto, por desocupación, por profesión... y por magia… Soy poeta por no saber que más hacer con el mundo en que vivo, por no encontrar otro refugio más que la palabra, comerla, saborearla y derramarla.

Crees que la poesía tiene función social

Pienso que si

¿Por qué ?

El poeta al utilizar la palabra, tiene que decir lo que pasa, para mí la poesía no solo es intimista, a través de ella puedes denunciar lo que le ocurre al mundo, la sociedad, la naturaleza, es muy importante que la percepción social del poeta sea plasmada en su trabajo.

Finalmente Gabriela como vez la nueva poesía ecuatoriana, hacia donde va y tu respecto a ella a dónde vas

Hay poetas contemporáneos, muy importantes en la actualidad, el problema es la difusión, pienso que las campañas de lectura deberían ser para que los nuevos trabajos y la gente nueva se de a conocer dentro de cada provincia y del país,, es una buena forma de dirigir a la poesía contemporánea, que no se pierda entre los círculos ya formados. A donde va la poesía, si no se piensa en encontrar nuevas formas de difusión de nuestra poesía, pienso que se quedará estacada en las bibliotecas de los panas.

Yo quiero seguir experimentando nuevas formas de decir, en la actualidad estoy tomando fotografías y a partir de ellas quiero escribir poesía.

06 junio 2007

TENTADO A AMORES ESTÉRILES


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

Me tentaron “Amores Estériles” con su piernas de luna entre lívidos nuevos, emergieron desde la portada en el bullicio mercantil del Quito nostálgico. Compré el libro más por aburrimiento que por intuición, sin embargo sus páginas afiladas me han decapitado varias veces.

Rafael M Arteaga, en el suicidio de seres oscuros que al no atreverse a jalar del gatillo siguen muertos ó en el pubis incestuoso de la hembra, se confronta como poeta en una suerte de ruleta rusa, de la que ha salido ileso, más no así sus receptores que al ser empujados al abismo descubren su desdicha de segundos, días y años de mentidos nirvanas unipolares y opresores.

El libro sin ser autopista en el fluir de la naturaleza humana deja filtrar los cataclismos interiores que sufrimos frente a la soledad infectada de ciudad, de máquina. No es la soledad reflexiva que germina entre nardos y mirlos; es la soledad en el laberinto de las gárgolas, vomitando hijos en la obligación genética; es la soledad que se huele entre el azufre de los cibercafés, donde solonautas se reproducen de tarde en tarde con sexos, erecciones y besos virtuales rompiendo la barrera del sonido, iluminando pantallas de plasma; perdiéndose sin olor, textura o saliva en gemela soledad al otro lado del mundo.

Esta literatura servirá para que los que queden, si tienen suerte, después del calentamiento global, las guerras del agua y la mecanización de las conciencias, tengan una radiografía de un mundo que tiritó de soledad. Hemos desmitificado todo, inclusive a nosotros mismos, que pasará cuando el “…Tanta vida y jamás…” de César Vallejo sea el paradigma del mercado; será suficiente quemar todos los huesos, aligerar el pasado y caminar desde el olvido.

Este libro de guillotinas afiladas, me cuestionó mientras le hacia la autopsia, estuvimos los dos desnudos piel a piel y no me atreví, ni me atrevo, a maldecirlo o a inocularlo contra el espanto; esta actitud contemplativa con el texto, en el movimiento dialéctico de las percepciones nos comunica. El amor ya no es tan estéril ni tan triste, ¡Aúlla!, sin luna ¡Aúlla!

Una de las críticas al texto dice que es una pistola y no un cándido e inofensivo libro, no lo creo; es el síntoma de un hombre descubriéndose desde la contaminación y el holocausto; descubriéndose como la parte pura del árbol y el lodo vital en la montaña, de un hombre que al verse vivo se resiste a sí mismo.

Si bien la poesía nos da plumas y turbinas, a Rafael M Arteaga le ha dado además preguntas y muertes; frustraciones y despedidas que vuelan de verso en verso en el repicar complejo del que lee.

31 mayo 2007

ENTRE LAS LOCURAS DE AMOR DE ROWNY PULGAR


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com


El amor de un poeta gravita en los espacios, en las texturas del erotismo que saltan entre el amor y el desamor, entre el hecho y el desquicio de acariciar el cuerpo tranquilo de la que será luna o abismo en el caer de los segundos, el amor de un poeta no es solo de él se hace misal de otros que aman, de otros que coleccionan y rituales para llegar al eco de una caricia, un beso o un adiós de flores escondidas.

“Entre el amor y la Locura” del escritor Rowny Pulgar Noboa, publicado por “Káustica”, bajo la dirección editorial de Franklin Cepeda Astudillo, en ciento veinte y dos páginas, transmuta las sensaciones duales del amor en textos sin muletillas, los oropeles engañosos no hacen falta, el texto salta con una versatilidad y sencillez ante los ojos de un lector, que se asombra de la fuerza creadora de un autor al que no había conocido en su desnudes poética.

Si bien el título apela a un lugar común, los textos son imanes que atrapan la pupila por la fusión estética que el poeta encierra: “En el barro nupcial de la montaña / crepitó la cebada luminosa del alba”, uno se queda con un palpitar de las palabras con las que se encierra nuevos lenguajes para describir un sentimiento más antiguo que el hombre mismo, ese es el aporte de Rowny Pulgar, el apuntar por nuevos códigos en la construcción de un metalenguaje para el amor y el erotismo.

Creo firmemente que los textos de este libro nutren la memoria profunda de nuestro acerbo poético, sin embargo los títulos, en la mayoría de los casos no alcanzan la dimensión y profundidad del poema, que se escapa del propio autor en una cascada, en un peregrinaje permanente a ser más allá de todo, a simplemente ser.

La diagramación del texto en interiores como en portada, habla muy bien de él, de sus prolongadas propuestas para que el silencio deje de ser un espacio entre palabras que se gastan sin sentido buscando el poema que nuca alcanzaran. “Entre el amor y la Locura”, ha alcanzado el poema y nos lo ofrenda para que nuestros amores se acurruquen en sus vocales.

RESULTA QUE MI CARNE

Rowny Pulgar

Resulta que mi carne no es mi carne
anoche desperté entre mil gusanos
la polilla crecía como largo escalofrío
en el vencido redondel de mis alvéolos.
Amanecí muerto
desahuciado del tiempo
el vino, la poesía
vencido ante el abandono de tu frente.
Cancerosas gotas
incuban cuadrados acertijos
en la víscera del día
Universales hambres me poseen.
Un solo dolor corroe
el dolor de no verte.

25 mayo 2007

MARCO MIÑO, UNA GUITARRA EN LA ESPERANZA


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

Cuerdas como huracanes
de sueños,
ternuras rotas que vibran
agasajando el alma

Vivo
guitarra en tus
presentes y soledades

El Maestro Marco Miño Valarezo, cumple 54 años de vida artística, de entregas constantes a la música ecuatoriana, por lo que es justo reconocer su valía, su temple de ser humano extraordinario que siempre ha compartido su talento con quienes han estado en las búsquedas de crear. Gracias a su mística docente Maestros de la guitarra como Raúl Rubio, Edison Troya, Orlando Guaraca, entre otros, han plasmado sus vocaciones y se con convertido en virtuosos.

Mentalizador de “Cuerda y Colibrí”, desde las manos y la mente del zurdo Miño, como lo conocen sus amigos, nacen pájaros en do menor y azules cuyo bemol conmueve las fibras más íntimas del ser. La guitarra se convierte en hechicera de las soledades y cómplice de aquellos que se estremecen con músicas que fueron ritos de amor, desencanto, nostalgia, en fin de todas esas sensaciones que nos hacen profundamente humanos.

Miembro de la Casa de la Cultura, desde hace muchos años promueve el Encuentro “La Guitarra Desde los Andes”, en él que han participado reconocidos maestros cuyas obras en unos casos e interpretaciones en otros se han tornado en un homenaje a la ciudad de Riobamba, gracias a Marco Miño, quien nunca ha perdido esa posibilidad de soñar, desde la utopía ha ido construyendo una forma de vida en la cual el arte, la música, la pintura son alimento diario.

Una de las facetas poco conocidas de este gran creador chimboracense, es su afición plástica, su tenacidad que lo incita a crear en lienzos, con una cromática transparente espacios de una realidad plena de emociones. Sus obras nos susurran a colores, en una nueva forma de música que coherentemente con la que fluye de su guitarra se hace piel en los segundos, y alforja donde guardar palpitares de una vida que es en todas sus dimensiones.

Los artistas, de la talla del Maestro, tienen siempre algo más, o mejor dicho buscan algo más … No sé, pero sus voz es puerta a espiritualidades insospechas, un acercamiento a ese Dios que inconcientemente es arquitecto en los laberintos cotidianos. Esas búsquedas se hacen flor en la mañana y en el momento más insospechado alegran el peregrinar de los tristes.

Gracias Marco Miño, por no haber desertado jamás de la música, de la solidaridad y de la posibilidad de soñar en cuerdas de luz entre los andes…

JAKOBO: LA FUERZA DE VIVIR


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com


La música, alma y consonante de instantes de eterna espiritualidad se torna en motor de vida del cantante Jakobo que enfrenta la muerte desde la dimensión de amar cada centímetro de espacios vitales, nos acercamos al artista que el viernes 23 de junio nos ofrecerá un concierto en el Centro Municipal de Arte y Cultura.


Jacobo, desde hace cuanto tiempo su amor por la música


Profesionalmente hace veinte años, de niño a los seis años me enamore de la música nacional lo que me ha llevado a ganar algunos festivales como el “Atahualpa de Oro” de Radio Quito, hace treinta y cinco años, “El Sarmiento de Oro”, por esa misma época y algunos festivales a nivel nacional.


Toda la vida ha vivido la música como parte de su alma, sabemos que ha alternado con otros artistas, como cuáles:


Si he tenido el privilegio de compartir el escenario con figuras de la talla de Franco De Vita, Miguel Gallardo de España, Rafael y artistas nacionales como Ginsson , los Hnos Miño Naranjo. En la mayoría de Conciertos los he dado solo.

Cuántos Discos ha grabado:


Soy compositor, autor, intérprete y productor tengo 3 CDS anteriormente algunos discos que calaron muy bien en toda Latinoamérica, con temas propios como “Corazón Herido”, “El Indio”, “Feliz Aniversario”, entre otros.


La poesía y la música son hermanas siamesas cómo han influido estas en su producción artística


En una forma total porque un ser humano sin música y poesía nunca podría entender la divinidad, nunca podría acercarse a las esencias más sublimes que tiene la existencia, la música y la poesía son el antídoto para el desencanto y el miedo, son la sombra que se cruza en mis días y el motor que me ha impulsado a escribir 70 poemas que se encuentran listos para ser gravados.


Jacobo, sabemos que usted tiene un amor impresionante a la vida, podría decirnos que representa la muerte en su cotidianidad?


La muerte representa solamente una sombra fugas que pasó por mi vida y no pudo adentrarse en mí porque la fuerza de un ser supremo lo impidió y me dio la oportunidad inmensa de sentir nuevamente lo que es la vida y aferrarme con una fuerza increíble a las maravillas que el Padre Eterno me ha ofrecido.

“MONTAÑA GRIS” EL MISTICISMO DE LA MÚSICA CELTA


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

El grupo colombiano “Montaña Gris” dará hoy a las 19H00 un concierto de música celta en el auditorio del H. Consejo Provincial de Chimborazo, en un evento organizado por la Casa de la Cultura de Chimborazo y es interés de “Vida a Colores”, que nuestros apreciados lectores tengan un enfoque más amplio de la importancia y evolución de este importante ritmo medieval en el mundo.

Los celtas, no formaban una tribu única, sino grupos bastante diferenciados. Distribuidos por Europa. Por lo que la cosmovisión celta es la suma de muchos pueblos que compartían valores culturales, como la lengua, organización social, tradiciones artísticas y su relación con la naturaleza.
El pueblo celta era rico en una cosmovisión mitológica, donde hadas duendes y pequeñas deidades eran parte de su cotidianidad, de ahí que su música este llena de misticismo e invite a las audiencias a compenetrarse con valores espirituales de armonía con la tierra y con los seres que habitamos en ella.

La música celta ampliamente conocida en Europa se esta difundiendo ampliamente en el mundo es por ello que agrupaciones como “Montaña Gris” de Colombia, la interpretan y la recrean en nuevas composiciones que respetando el valor tradicional de la música aporta en contenidos, para la concienciación universal, porque esta música es parte de la gran metáfora de la retrogradación planetaria, en cuya corriente se involucran con entusiasmo las nuevas generaciones que consiste en dar un paso atrás, vivir la armonía del pasado para que su cultura y relaciones interpersonales puedan proyectarse a un futuro con mayor humanismo.

La agrupación montaña gris, conformada por los músicos académicos: Luisa Thomas (cantante y percusiones), Pablo Villegas (viola, violín y voz), Luis Fernando Ospina (flautas, cuatro, bodhram, percusión y coros) y Rodrigo Esteban Vélez (guitarra y coros), se constituye el 18 de agosto del 2001, siendo su principal particularidad la difusión del folclor celta, que es dentro del mestizaje el sustento de nuestra música inclusive, ya que muchos integrantes del pueblo celta fueron traídos como esclavos a Norteamérica y de la fusión cultural derivaron en ritmos como la música country, el corrido colombiano y en nuestro país el danzante entre otros.

La música celta, embriaga, acaricia y conmueve, tiene en sus notas viejos ritos que sobreviven entre líneas de uno de los folclores más antiguos de la humanidad; la agrupación colombiana “Montaña Gris” ha asimilado todos los retos y con la maestría del compromiso y la fuerza del amor palpitan en el corazón de gentes y ciudades que se nutren de su vitalidad.

LIBRO: LA REGIÓN INTERANDINA ECUATORIANA


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

El libro del Dr. Roberto Rodríguez Saltos, La Región Interandina Ecuatoriana, en su XII edición bellamente ilustrada y concebida en diagramación; en 185 páginas nos permite vislumbrar el Ecuador Interandino, como un espacio posible para disfrutar y sentir la vida, en medio de gentes hospitalarias; montañas que vibran desde la esquina de los tiempos; y, especies de fauna y flora que en algunos casos son únicas en el mundo.

El libro se aproxima al lector, con una reseña general de lo que es nuestro país en la historia, la cultura, la geografía y variables tales como clima, población división y más particularidades por las que el lector de otras regiones puede tener un panorama claro de lo que es y representa en una visión macro el Ecuador, este país chiquitito en los ojos del cielo que embriaga los sentidos de todos aquellos que sin ser sus hijos lo llevan en la memoria.

La Región Interandina Ecuatoriana, es una invitación para que rompamos paradigmas en el uso del tiempo libre y nos extasiemos con las vertientes de poesía natural que cada una de las provincias interandinas emanan en lagos, flores y silencios. Iniciamos nuestro viaje desde Carchi continuándolo por Imbabura, Pichincha, Cotopaxi Tungurahua, Bolívar, Chimborazo, Cañar, Azuay y terminándolo en Loja. Las páginas son una guía turística para vislumbrar la belleza, la cultura, la historia, el arte y sobre todo la calidad humana de los habitantes de estas provincias.

El Dr. Roberto Rodríguez, en su búsqueda permanente, tiene amplios estudios y postgrados, en diferentes universidades del país, ha recibido múltiples reconocimientos y distinciones dentro y fuera del Ecuador, por su visión clara del genocidio producido en América, su verticalidad como hombre de esta tierra, como eco de un pasado glorioso que no debe perderse en la dualidad de una post-modernidad neo-globalizada, su pensamiento busca que nuestro pueblo tome conciencia de donde viene, para que puede entender donde está y a donde ira.

Por otro lado el texto que tengo el gusto de comentar en “Libros y personajes de la Cultura”, es una crónica de lo que tenemos, de lo que podemos palpar y tocar; y, que podríamos perder si nuestros actos como especie no rectifican, todo el equilibrio andino esta conectado al equilibrio de la tierra, esta vinculado al eco del mañana y a la posibilidad de entender que si no paramos en nuestra desesperación por talar los bosques y quemar los recursos, el aire se acabará.

Después de que usted amigo lector, se haya empapado de este texto se sentirá otro ecuatoriano por el hecho de que nuestros sueños a veces son más pequeños que nuestra geografía.

COPLAS Y PERSONAJES DEL TAITA CARNAVAL


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

El libro coplas y personajes del taita carnaval de Martín Malán, es una aproximación al carnaval indígena en Chimborazo que nos permite reconocer desde la simbiosis cultural toda la riqueza que tuvieron los pueblos nativos de la región, toda el folclor de los puruhaes que se ha mantenido gracias a su inserción en las fiestas mestizas principalmente en las religiosas.

El autor, nacido en Pulucate, cantón Colta en agosto del 1956, Martín Malán de profunda raigambre indígena, desde los seis años aprendió de su abuelo el arte. La música para los hombres de América es un vínculo ritual con los elementos, que utilizan en el diario convivir. Así Marín aprendió a cantar en las cosechas (jahuay) coplas, y a interpretar instrumentos mestizos que han sido asimilados por el folclor de la región como el violín y la Guitarra.

Compositor de música indígena y popular inicia su trabajo de manera profesional en 1978 ha realizado conciertos en Europa, América y en todas las ciudades del Ecuador, ha compartido el escenario con “Los cuatro del Altiplano”, “Illapu”, “Intilimani”, “Sabia Andina”, entre otras importantes agrupaciones.

La música es puente y trinchera; renovación y éxtasis, así lo vive Martín. Sus manos, su voz y su cuerpo se han convertido en instrumento de este blanco poseso, instrumento que sin apartarse del sentir indígena introduce en sus expresiones manifestaciones mestizas que han llevado al creador a crear inclusive tonalidades como la cumbia andina, que es una simbiosis entre la música ecuatoriana, triste a momentos con la música de Colombia, Perú y Bolivia. Recreando de esta manera un nuevo folclor que respeta la identidad de nuestro pueblo y se nutre a través de la difusión cultural de las mejores manifestaciones espirituales de los países hermanos.

Además de su importante carrera de solista y compositor, Martín Malán ha contribuido al desarrollo la música de Chimborazo en la formación humanística a nivel nacional, en varios grupos musicales como:“Runapak Shungu” y “Los Andinos” de Hungría

EL FUEGO DE LA POESÍA DE VALLE JARRÍN


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesiazas@hotmail.com

Irrumpí en Tejedores de Fuego, como un niño invade un mundo fantástico, con desnudes de conceptos, con inocencia busque en una poesía que desde su primer contexto marca filosofías esotéricas, filosofías que se acentuaban verso a verso, dando a esta obra de Luis Edmundo Valle Jarrín, la trascendencia propositiva, que va más allá del hecho decorativo.

Poesía como caldero de sensaciones y sentimientos, da la oportunidad al lector de confrontar su realidad, con antiguos misterios, de desmitificar el miedo y el pecado y dejar abierta la puerta a una espiritualidad circundante en los peses, en los andes, en el aire, en el Dios presente en cada circunstancia de los seres vivos.

El lenguaje se teje en esta hebra poética, sin artimañas, sin forzamientos innecesarios, la belleza de la palabra se entrega, canta gestualidades y percepciones antiguas, la forma sin haber logrado una identidad, va consolidando un estilo, estilo en el que son igualmente importantes el manejo del lenguaje como una temática de recuperación de paradigmas del mundo antiguo.

El escritor se confronta y desencanta frente a excesivos consumismos, que marcan las fronteras en las relaciones personales de la modernidad, por lo que vuelve a los inicios del pensamiento, vuelve a la cromática donde la vida se mide por el servicio, vuelve desde la espiritualidad de la poesía, en la consecución de los linderos de su vida y su obra material y espiritual que tienen la sindéresis necesaria como para que pueda decir que el artista y el hombre son uno, y se confrontan día a día en la evolución del pensamiento.

Debería, como es costumbre, tomar versos de entre poemas e ir armando un laberinto, con análisis particulares, de lo que es la obra de Luis Edmundo Valle Jarrín, no lo voy a hacer, voy a dejar que ustedes entiendan en cada poema, en: “Canto a un hijo ausente”; “Guerra de las Edades”; Banderas Desiertas”, y otros como el poeta va rompiendo sus soledades y luchas internas en bellos estratagemas de piel y palabra.

Vivimos en un país donde la magia se mezcla con el dolor y la frustración de la gente, donde la magia marca la sobre vivencia de los artistas y su clamor que toma formas concretas en la poesía y las artes para reencontrarnos con el hombre digno y solidario, con el hombre que es la más elaborada filigrana con que el artesano, arquitecto, dios rompió su soledad y dio paso a la vida.
En gratificante el arte de Valle Jarrín, estas hebras de fuego que trasnochan equilibrios y desnudan ausencias, su verdad honesta y un poco nuestra, que un hermano creador haya asumido con verticalidad la geometría totémica del arte y nos la transporte a la dimensión intangible de la poesía.

CARLOS GARBAY EN LA MEMORIA . . .


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

Carlos Garbay Montesdeoca, tiene una obra espiritual y aporte a la cultura que es desconocida en su dimensión verdadera en nuestra ciudad. Pocos saben de su pensamiento social, de los versos con los que conmovió los paramos y como la muerte le robo de nuestros espacios.

Ilustre chimboracense, nació el 6 de septiembre de 1941, su vida es una constante de servicio, de búsquedas, de consecución de ideas que se han plasmado en nuestra ciudad y en el país en muchos establecimientos de educación primaria y media que fueron fundados por él. Socialista convencido, sus utopías se encaminaban a la búsqueda del humanismo verdadero, a la democratización de la cultura para consolidar equidad en el pueblo. Sería largo nombrar todas las distinciones que alcanzó su alma, hasta que la muerte lo secuestro entre mares de platas blancas el 12 de agosto de 1962, dejando un largo silbido de soledad que se confundió con los vientos de la serranía.

Su lírica nace en voz de barro, se funde con las cuatro estrellas de la cruz del sur y se esparce combativa en el Abya Yala de sus genes, en el rito cauteloso de escribir, en él que se ve abocado a descubrir todas las luces y a enfrentar todas las soledades, a cuestionar lo incuestionable y trascender entre nosotros como memoria viva de un creador que no pudo jugar todos los naipes en la partida.

Recordemos su poesía, y cantemos desde su recuerdo, todos los ecos que sean necesarios para contemplar a nuestro poeta venciendo a la muerte:

VIVIRÁ LA POESÍA

Carlos Garbay Montesdeoca



Poeta,
tú, que enciendes con tu pluma las estrellas
las hogueras gigantescas del volcán
y la chispa zigzagueante
que precede a la tormenta,

tú que en vuelos siderales
reconquistadas para el hombre
el dominio de las galaxias y los soles.

Tú que bajas hasta el fondo de los mares
y nos traes de recuerdo, a tu regreso
inventarios de corales y de perlas:
joyeleros de sirenas
pececillos balletistas
que se arrastran, suben, bajan,
como hojas de oro y plata
arrancadas de un follaje invisible.

Tú que entiendes el lenguaje de las flores,
y el cantar de sus colores
su dolor en cada tarde
por los soles moribundos,
su alegría en las mañanas
por la luz que abriga el mundo…

Carlos Garbay con voz propia ha pasado a la historia y es nuestro deber vivir desde sus paradigmas y transformar el desencanto en metáforas de esperanza a nuestro pueblo.

CANTOS DE LUZ FRENTE A LA SOMBRA “DIBUJANDO JEROGLÍFICOS”


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

Cantos de Luz Frente a la Sombra, tomo cuatro de la Campaña Provincial de lectura Cien Joyas Para Leer, es un compendio de poemas y crónicas en relación a la vida y obra del poeta, Dr. Gustavo Ortiz Arellano, que nos llegan para elevar el autoestima de nuestras gentes, que en la mayoría de los casos no palpan con el alma el inmenso trabajo que realizan nuestros creadores y el prestigio que dan a la provincia y al país con su arte, esta obra que le invitamos a leer.

La poesía de Gustavo Ortiz Arellano, cayó en mi esencia como lluvia nueva; explosión en filigranas de soles engendrados en notas y silencios sin tiempo. Su palabra desde cualquier soledad humana, me permite valorar y sobre todo conocer, cuarenta años después de su muerte física, a uno de los grandes poetas de Chimborazo, que el tiempo y el silencio habían escondido entre bibliotecas escondidas de una ciudad callada.

La magia, como panacea espiritual toma vigencia en el rito de escribir con el que nos deleita Gustavo Ortiz Arellano, a continuación me permito transcribir un párrafo de su artículo “Dibujando Jeroglíficos” que fuera publicado en “Signo” (Cuenca, 1961):

“Hay que escribir como dibujando jeroglíficos. Es decir l-e-n-t-a-m-e-n-t-e. Ha y que trabajar con las palabras, como con jeroglíficos. Es decir, signos sagrados. Ha que dar a cada palabra la importancia que da un padre a cada palabra, débil, insegura, adorable, que pronuncia el niño, dando así el primer paso en la tierra de lo racional y humano…”

Esas búsquedas de la perfección que obsesionan al poeta, se plasman en una poesía sin artimañas, que durante toda la lectura del texto no deja de ser agua fresca que sacia la sed del lector, que sorprende, conmueve, emociona y transporta a sentir e inclusive a vivir desde el poeta.

Los incrédulos se preguntan para qué sirve la poesía. Siento como desde sus versos Gustavo Ortiz Arellano, nos responde que la poesía sirve para hacer soñar a los tristes y transformar las realidades con loas de esperanza, con arengas contra el desamor, el desencanto y el olvido.

Reconozco que al principio fue difícil tener estas páginas entre mis manos, que lo hice dentro del proceso de selección de la Campaña de Lectura “Cien Joyas Para Leer”, cuando caí en la trampa, ya era un militante de los jeroglíficos que en lento rito desfilaban por mis ojos, ya era parte del ceremonial de armonizar los códigos para hacerlos cantos y aún más ya era parte del coro, en él que terminamos cantando.

PATRICIO CÁRDENAS ENTRE VOCALES, TRAMOYAS Y NOTAS


Gabriel Cisneros Abedrabbo



Conocí a Patricio Cárdenas en el efímero taller de literatura “Los Descerebrados”, cuando dio un recital en el Bar Concierto “La Nota”; espacio donde confluimos quienes creemos que el arte es trompo y sublimación de la muerte; desde un principio se convirtió en asiduo militante de la palabra, en cómplice de bohemias y afectos.


El creador ha sido merecedor de varios premios provinciales de poesía y una mención en el concurso nacional para escritores noveles “Jorge Enrique Adoum”, enorgulleciendo a la cultura por su tenacidad, por su amplitud de criterio para crear. Actor de teatro, danzante, músico, poeta y padre de hijos no natos que esperan ver la luz en la imprenta, Patricio Cárdenas es uno de los nuevos valores de la cultura provincial.

La poética del creador se encuentra en constante transformación, las búsquedas por consolidar una “vos poética” bullen en versos nuevos, que lavan como agua y que se comunican con el lector con múltiples lenguajes, con formas originales y con la certeza de que la palabra es más que un juego de ajedrez donde se acomodan las fichas, es la esencia misma en el ser. Así desde los metalenguajes de la poesía se hace piel dual de vida-muerte y coraza del poeta.

CAYENDO...
Patricio Cárdenas Herrera
Caigo, suspiro
me levantas
así suele ser
entre tus brazos suspiro
me levanto y
vuelvo a caer
así me sostienes
infinita y callada
me levanto
caigo
y solo suspiro tu ombligo
sabe a mi aliento
caigo
suspiro y me levantas
de la dulce pirueta
sobre tu cuerpo
suspiras
me levantas
y por fin caes . . .

ALFARO UN PARADIGMA EN LA PATRIA


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com


Desde mucho antes del cinco de junio de mil ochocientos noventa y cinco, los Estados Unidos ya eran concientes del gran poder que ejercían sobre América Latina y consolidaban esa dominación saboteando las iniciativas de autonomía y autodeterminación de los pueblos. De forma igual obraron con Alfaro, Martí y otros pensadores que desde la posición personal fuertemente influenciados y cohesionados por las logias masónicas latinoamericanas, se proponían nuevos paradigmas en la autodeterminación de América frente al que habría de convertirse en el hegemón de la economía mundial. El General no se entregó a las exigencias y gracias a él, las Islas Galápagos son relativamente parte del Ecuador.


Hoy, el país, ciento once años después de que Eloy Alfaro consolidará su revolución alfarista, no puede hablar de relaciones internacionales, sin bajar la cerviz. Nuestra soberanía se debate entre la profunda crisis de la gobernabilidad local y las decisiones que toma el hegemón respecto a las políticas de salud, educación, seguridad pública, agendas de desarrollo. Vivimos en un país de nombre, en “una línea imaginaria” en la historia; los títeres se sustraen de la realidad y en la transitoriedad de un poder prestado, aceptan lo que sea con tal de no caer, es el caso de los últimos dictocratas, que nunca entendieron el sentido de Patria.
Que pasó con la revolución, con las ideas de cambio que puedan verdaderamente transformar el país? Que pasó con la lucha armada o con la toma de conciencia del pueblo? Creo que ha sido aplacada sin una bala con el pavor que sentimos frente al hegemón y a sus acciones bélicas que no respetan a nada ni a nadie, lo intangible en este camino vive en nosotros pero todavía no sabemos que hacer para volver a llamarnos país.


El País es multicultural, diverso cuyos ejes de identidad se dan en base a la interconexión de las autoestimas locales, interconexión débil y esquiva por lo que resulta muy difícil de entender nuestra realidad, somos un país en el que sus ciudadanos no estamos interesados en lo colectivo y mientras no nos preocupen los demás no dejaremos de ser subdesarrollados tecnológicamente.
Que la conciencia y el pensamiento de Alfaro, el latinoamericano más importante del siglo pasado sea el paradigma en las luchas que como pueblo debemos librar, que nuestra identidad se alimente de una conciencia mestiza, de una vocación de integración, de equidad en todas las acciones del estado y de sus miembros, para que podamos construir en cincuenta o cien años la patria que siempre hemos creído tener.


Nuestro orgullo por ser parte de esa conciencia que forjó Alfaro cae ante frustración por la constante crisis del medio que no nos permite aflorar esa conciencia en el imaginario colectivo. El nuevo reto de los hombres y mujeres de América Latina es consolidar una región libre y con autodeterminación de definir su futuro.

LA MUERTE EN EL EQUILIBRIO DEL SER


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

“Hay que morir con los ojos abiertos
para no perder la memoria”
Pepe Rosero

Desde que el hombre tuvo conciencia de su interrelación con la tierra y su esencia perecible en la materia, la muerte ha sido parte fundamental de su cultura y eje transversal en la búsqueda de la divinidad, los ritos antiguos confluyen en todas las culturas, en recrear la muerte en el neófito y en el renacer en un ser de luz, luego de enfrentar todos y más profundos miedos.

Cada pueblo en su interrelación con la tierra y los elementos fundamentales de esta trata la muerte desde el respeto fundamental al abismo que esta representa, a la profunda ruptura que es para el hombre el quedar trunco en el ciclo, con los gestos por expresar y sin un halo de luz en la memoria.

Al ser dual nuestra realidad y cíclico nuestro universo, la muerte, ese salto al vacío sin miedos ni postergaciones, es parte del equilibrio para la necesaria vida. Debemos asumir nuestra temporalidad y vivir cada gramo de oxígeno en la intensidad de entregar nuestro ser en el puente que debe ser el hombre para el fluir necesario a dios.

De manera personal, creo que en la creación aún no hemos llegado al séptimo día, por lo que acto a acto vamos construyendo nuestro mañana espiritual y la muerte es el instrumento certero para ello, instrumento a través del cual evolucionamos.

En nuestra realidad ecuatoriana, la muerte se manifiesta en todos los hechos del convivir social y artístico, es así que hoy dos de noviembre retomamos los afectos y proyectamos en la memoria y el ritual a quienes se nos adelantaron en el camino, en peregrinajes y eucaristías que nos recuerdan que somos polvo, esencia y fundamento de la tierra.

En este peregrinaje sin paracaídas, cada eco es profundo. La preparación de las guaguas de pan y la colada morada son más que comidas de la época son un acto para recordar, el ceremonial que todavía se dan en algunos pueblos de llevar comida a los muertos es el instante para compartir con el ser querido todos los encuentros y desencuentros que se ha vivido en el transcurso del año.

La única muerte es el olvido, murmura el poeta al filo de la noche translucida; y, es verdad cuando nos extinguimos verdaderamente del sueño, es cuando los que nos amaron nos dejan de soñar, es por ello amigo lector que debemos ser posibilidades para que nuestra muerte no sea más que un estado de transición en nuestra vida.

BENJAMÍN CARRIÓN, LA PATRIA CHICA Y LAS ARTES COMO BANDERA


Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com

El gran quijote de la conciencia nacional ecuatoriana, nació en Loja cuando todos las deidades de la tierra irradiaban sus gracias sobre los hombres, es por ello que el Dr. Benjamín Carrión, más allá del prestigio internacional que alcanzó con su obra literaria, siempre motivó sin ningún tipo de restricción a los creadores para que se confronten a si mismos y puedan saltar la puerta del anonimato, para que sean los portadores de la bandera común con la que sustentó la teoría de la “Patria Chica”.

Unido por la fuerza del mestizaje a su tierra y su cultura, el poeta, ensayista y crítico, nunca perdió su esencia humana, su urgencia de construir futuros donde a la larga se convirtió en semilla de una gran corriente de pensamiento que ha transformado y fructificado en las alas de muchos artistas que directa o indirectamente gracias a él sabemos volar.

El Ecuador luego de la derrota militar de 1941, perdía la esperanza entre lamentos y desencantos. La grandeza espiritual y humana brotaba de la palabra de Manuel Benjamín Carrión que a viva voz instaba a trabajar juntos para que pudiéramos “VOLVER A TENER PATRIA”. Proclamaba convencido que el Ecuador debía ser una gran nación en la cultura.

Benjamín Carrión, tenía los nervios y la piel que alguna vez amalgamarán a Eloy Alfaro, José Joaquín de Olmedo, Pedro Vicente Maldonado, entre otros, su visión de patria se hizo en la conciencia en la Casa de la Cultura.

EL ARTE EN UN MUNDO EN CRISIS

Gabriel Cisneros Abedrabbo
poesialas@hotmail.com



El mundo se enfrenta a una crisis de carácter descomunal, en la que nosotros; usted amigo lector y yo somos responsables en mayor o menor grado, en esta semana en libros y personajes de la cultura, se envía el mensaje que no todo esta perdido y que si podemos tomar acciones frente a los mitos catastróficos de la modernidad: calentamiento global, crisis del agua, hambrunas e inclusive extinción de especies entre ellas la humana, pueden ser detenidos con políticas ambientalistas y la participación ciudadana permanente, por ello es urgente la toma de conciencia frente a tres preguntas que han inquietado a la humanidad desde su formación de dónde venimos, quiénes somos y a dónde vamos.

Para quienes creemos en un Dios ecuménico, venimos de una evolución paralela espíritu-materia, en ese viaje de millones de años los paradigmas han cambiado tan drásticamente que el crecer y multiplicaos se ha tornado en parad, parad, parad. La madre tierra ya no aguanta más. Venimos de una cadena evolutiva donde el hombre se ha convertido en el centro de las transformaciones que ocurren en nuestro planeta; centro que pocas veces encuentra sus equilibrios y que más bien los pierde, se precipita, entre lunas decantadas, entre discursos grandiosos que conmueven y que entre líneas apuntan a nuestra extinción.

El arte ya no puede ser un elemento decorativo en las estanterías de la conciencia, tiene que convertirse en engranaje transformador, la poesía, la pintura, la música, etc. Deben tomar o mejor dicho retomar el sentido social y vincularse directamente al desarrollo humano, del que tanto se habla entre brindis y lisonjas rebuscadas. El viejo dilema de sí el arte debe o no debe servir para algo debe mutar en un engranaje para la toma de conciencia de los habitantes de una comunidad.

Tomar conciencia en actitudes cotidianas desde la sublimidad de la creación, debe ser nuestro enfoque como seres humanos de este planeta. Qué lindo sería que todos más allá de los gobiernos locales nos veamos como parte de la solución asumiendo actitudes tan simples como botar la basura en su lugar, respetar a la madre tierra, aprender a reciclar, ser parte de la naturaleza y no un elemento foráneo.

El mundo tiene pocas alternativas para no caer en una crisis climática , cada una de ellas están en nuestras manos; nuestro país vivirá un proceso democrático y los asambleístas que sean electos están en la obligación de regular en la Constitución todos los temas ambientales para la preservación y equilibrio del planeta, para que el sueño de nuestros descendientes se desarrolle en un escenario con olor a tierra, agua y maíz; y, no sea una jaula donde se escondan de los errores de su incrédulos abuelos.

04 mayo 2007

SPARTE EN EL EQUILIBRIO ESCÉNICO

Gabriel Cisneros Abedrabbo poesialas@hotmail.com
El arte es un perfume extraño cuya esencia a uno lo atrapa con ritos y trayectos con voces que destilan la esencia de las cosas proyectándolas a nuevas propuestas en escenarios que se transforman permanentemente por el pensamiento generado por artistas y creadoras que sueñan futuros posibles. En esa perspectiva trabaja, es nuestra provincia el grupo multifacético, de teatro, payasería y neo-folclor Sparte que bajo la dirección de Juan Muquinche y el trabajo permanente de múltiples actores y danzantes van recreando la esencia de nuestra tierra en montajes donde el danzante, el curiquingue el perro y los diablos ponen la alegría en la coreografía o en la obra de teatro. Sparte tiene como base a jóvenes artistas que creen en las propuestas escénicas como un medio para educar, dar un mensaje y entretener a la ciudadanía.
Su trabajo ha llegado a los diferentes cantones de la Provincia de Chimborazo y en otras provincias del país con un proceso integral, liberador y divertido, cumpliendo así con su objetivo de sensibilizar a la gente a través del arte trabajando en continuos desafíos, dejando inquietudes que generen reflexiones positivas en el público para aportar en la construcción de una sociedad diferente. El grupo tiene un profunda mentalidad evolutiva por lo que se adapta permanentemente a los cambios, sin olvidar jamás de donde viene, ello le ha llevado a tener un trabajo donde la tradición andina se fusiona a una contemporaneidad; fusión en la que los personajes y el contexto adquieren una magia significativa y son visualmente impactantes.
Sparte es producto de trabajar con muchos amigos más los cuales han dejado parte de sus vivencias y de sus enseñanzas en el grupo, así el maestro Marcelo Murriagui de la compañía BAILANDO de Paris -FRANCIA, al corógrafo Byron Paredes de la agrupación CUERVOS. Quito Ecuador. al maestro Rafael Camino Collantes del Ballet Folclórico Nacional Jacchigua Quito Ecuador. Al CELCIT con la maestra de teatro Magali Muguercia. Cubana en Buenos Aires Argentina. al centro cultural SAN MARTÍN de Buenos aires Argentina en Danza Aérea, Tela – Trapecio con la maestra Camila Vrorski. En Teatro y Ritmos Caribeños con el bailarín profesional César Cáceres. Ibagué Colombia

04 abril 2007

FERNANDO CHÁVEZ, “CORRE LA VOZ” (CANCIONES PARA DIFUNDIR EL CÓDIGO Y LOS DERECHOS)

Gabriel Cisneros
poesiazas@hotmail.com

Los niños, “el futuro de la patria”, dejan de ser una posibilidad en el mañana y en el presente toman vida en la música y la toma de conciencia de sus derechos, a través del incesante trabajo realizado por el cantautor chimboracense Fernando Chávez que desde hace 16 años se encuentra vinculad a procesos por y con los niños por reconocerles y hacer que se reconozca su presente como actores sociales con derechos y con compromisos para con la tierra, los biosistemas, la vida y para consigo mismos.

Fruto de estos años de esfuerzo durante los años 2004 y 2005, se grabó el Cd. Cancionero “Corre la Voz”, instrumentos para difundir el código y los derechos, proyecto en el que también participaron de la Banda Bandida y de la Banda Nueva ciudadanía.
Fernando Chávez, cantautor riobambeño que con un trabajo militante se proyecta en un mundo de cerros, gentes y bosques; vive una militancia permanente en el arte; militancia en pos de una búsqueda de equilibrio social, para él el arte es una herramienta para decir que es posible ser motor en la transformación particular de los pueblos y sus ciudades, el ser humano se convierte en el centro de una vida de servir y no de servirse। Necio en sus ideas arremete contra el mundo fusionando las palabras y los sonidos, arremete contra el dolor cotidiano y el hambre tanto tiempo ahorrado por falta de pan nuevo y se mete con sus vibraciones allí donde usted lo necesita y él necesita estar.


Fernando Chávez, nos cuenta: “…Esta propuesta nació por la necesidad de que se reconozca los procesos de participación de niños, niñas y adolescentes a través del arte, desarrollados en Chimborazo y el apremio de contar con materiales lúdicos para la difusión del código y los derechos”; con profunda emoción continúa: “El arte es quizás una de las mejores tácticas y estrategias para sensibilizar a la sociedad sobre cualquier tema, no solo sobre niñez. El aparecimiento de este tipo de materiales son valiosas herramientas que merecen un mejor destino, merecen llegar sistemáticamente a los oídos, los ojos, en una palabra al corazón y la conciencia de los niños que todavía son maltratados por una sociedad que no les reconoce en algunos casos ni como ciudadanos…”

El cd es fruto de un trabajo en minga de muchas voluntades de músicos, compositores, arreglistas, pedagogos, promotoras, madres de familia, niños, niñas y adolescentes con una larga trayectoria de aprendizajes musicales en medio de la participación activa en el movimiento nacional y mundial por los derechos de la niñez y juventud.

Niñas, niños y adolescentes gracias a luchas y esfuerzos como este en nuestra sociedad ya cuentan con el marco legal para hacer valer sus derechos. Trabajos artríticos como este permiten que la sociedad tome conciencia y esa toma de conciencia a partir de ser mejores seres humanos y por ende un mejor país. A continuación invitamos a leer la canción “Así no Puedo” que se encuentra en el Cd. en mención.

ASÍ NO JUEGO
L. D.R.A. M. Fernando Chávez
Ritmo: canción lenta

Si el juego es una carrera
y solo gana el que llega,
yo así no juego más
yo así no juego más

Yo solo quiero jugar
porque me gusta encontrar
la risa que se perdió
sin ninguna explicación

Si por ganar no me importa
que vos te quedes sin torta,
yo así no juego más
yo así no juego más

Yo solo quiero jugar
porque es la forma mejor
de dejar entrar el sol
a que alumbre el corazón

Si estás jugando conmigo
y por ganar te lastimo,
yo así no juego más
yo así no juego más

No me quieran enseñar
como se debe jugar
que al juego lo invento yo
que al juego lo invento yo